Modernismo Americano

Modernismo estadounidense: Características

El Modernismo nació en Europa y pronto llegó a América. En las artes visuales, el Modernismo estadounidense adoptó muchas formas. La pintora Georgia O'Keeffe se centró en el paisaje nativo americano de Nuevo México, los paisajes urbanos y las flores, representando estos temas de formas sorprendentes. Max Weber fue uno de los artistas clave que importó el Cubismo de París a Estados Unidos.

Una de las principales vías de expresión modernista en la arquitectura fue el Art Decó. El Art Decó también fue un estilo europeo que se hizo muy popular en Estados Unidos en las décadas de 1920 y 1930. Al igual que las artes visuales modernistas, el Art Decó también se inspiró en la vida urbana y la innovación industrial, incluidos nuevos materiales como el acero y el hormigón armado.

El Modernismo también prosperó en el ámbito de la literatura estadounidense. Los escritores utilizaron formas novedosas para explorar temas innovadores, como el género, y otros intemporales, como la condición humana, desde nuevas perspectivas. Algunas figuras literarias modernistas americanas famosas son Ezra Pound, T.S. Eliot y Gertrude Stein.

Fig. 1 - 30 Rockefeller Plaza, Nueva York, obra del arquitecto Raymond Hood, fotografiada por Samuel H. Gottscho en 1933.

Modernismo estadounidense: Antecedentes

El Modernismo suele relacionarse con la década de 1920, también conocida como los locos años veinte. Este término hace referencia a la prosperidad económica y al optimismo general de esa década. Al igual que la ruptura de reglas de los creadores modernistas, esa década se caracterizó por una próspera vida nocturna, el jazz, el espectáculo de masas del cine mudo y la superación de la Ley Seca del alcohol (1920-1933) en Estados Unidos. Ciudades como Nueva York, París, Berlín, Los Ángeles y Chicago se convirtieron en los principales centros urbanos de la estética modernista y el estilo de vida de los locos años veinte.

Una definición del Modernismo estadounidense

El arte modernista surgió en Estados Unidos a principios del siglo XX en las artes visuales, la arquitectura, la literatura, el cine y la música. Las formas de expresión modernistas se inspiraban en la vida urbana, el progreso tecnológico, el futurismo, la producción industrial y la juventud. A veces considerado una ruptura con la tradición, el Modernismo buscaba la innovación y rompía las reglas existentes para crear nuevas formas de expresión.

Modernismo estadounidense: Cronología

El Modernismo surgió a principios del siglo XX y prosperó hasta la década de 1930. Este movimiento se importó a Estados Unidos desde Europa. En América, sin embargo, cobró vida propia utilizando la inspiración local y creando sus propias ramificaciones estilísticas.

Modernismo estadounidense: Arte

El Modernismo estadounidense adoptó muchas formas diferentes en el ámbito de las artes visuales. La pintora Georgia O'Keeffe optó por representar el mundo natural inspirándose en técnicas fotográficas, como el recorte y los primeros planos. El artista y poeta Max Weber se inspiró en los movimientos de vanguardia europeos, como el cubismo, para crear sus obras. Fotógrafos como Alfred Stieglitz y Man Ray experimentaron con el medio de formas que se alejaban de la fotografía de retrato del siglo XIX. Al mismo tiempo, lo que unía a estas diferentes expresiones creativas era su búsqueda de la innovación y la superación de los límites.

Cubismo

El Cubismo fue un movimiento artístico modernista de gran trascendencia fundado en París por los artistas Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963) en 1907. El Cubismo se centraba en la abstracción, fragmentaba y reensamblaba objetos físicos y los presentaba desde puntos de vista sorprendentes. A los dos artistas también les gustaba incorporar motivos adicionales a sus cuadros, como periódicos, vasos e instrumentos musicales. También eran partidarios de utilizar collages. En el momento de su creación, el Cubismo fue innovador y desafió a la comunidad artística establecida. Este movimiento decayó a principios de la década de 1920, pero algunos artistas siguieron utilizando su estética posteriormente.

Fig. 2 - Cuadro de Max Weber El violonchelista (1917)

El cubismo se extendió rápidamente por Europa y Norteamérica. El artista y poeta neoyorquino de origen ruso Max We ber (1881-1961) visitó París para estudiar pintura y conoció el Cubismo. A su regreso a Estados Unidos, Weber creó varias obras en consonancia con este movimiento, como Restaurante chino (1915) y El violonchelista (1917). Los cuadros cubistas de Weber presentaban la característica fragmentación cubista y hacían hincapié en los colores y las texturas. Weber también escribió Poemas Cubistas (1914) y ensayos como "La Cuarta Dimensión desde un punto de vista plástico". La obra de Weber se expuso en la Galería 291, dirigida por el conocido fotógrafo y comisario Alfred Stieglitz. Stieglitz también expuso la obra de otro pintor cubista estadounidense, Andrew Dasburg (1887-1979). Estas exposiciones popularizaron los movimientos artísticos modernistas en Estados Unidos.

Georgia O'Keeffe

Georgia O 'Keeffe (1886-1887) fue una destacada pintora modernista estadounidense. O'Keeffe trabajó en Nueva York, el oeste de Texas y Nuevo México. Sus temas preferidos iban desde los paisajes urbanos al mundo natural: paisajes, flores y cráneos de animales. El estilo modernista de O'Keeffe es único y reconocible. Por ejemplo, la fotografía influyó en ella: sus cuadros a gran escala suelen parecerse a fotografías recortadas.

Fig. 3 - Cuadro de Georgia O'Keeffe Música azul y verde (1921)

Cuando O'Keeffe alcanzó la fama, destacó por su género en una comunidad artística dominada por los hombres. Su marido, el fotógrafo y comisario Alfred Stieglitz , utilizó la feminidad de O'Keeffe para promocionarla. A veces, fotografiaba a la pintora de forma provocativa con este fin.

Fotografía

Otra importante área de las artes visuales inspirada por el Modernismo fue el creciente campo de la fotografía. En la década de 1920, los fotógrafos modernistas más conocidos de Estados Unidos eran May Ray (Emmanuel Radnitzky, 1890-1976) y Alfred Stieglitz (1864-1946). De formas diferentes, ambos se dedicaron a la experimentación artística a nivel técnico y artístico.

Man Ray, estadounidense, mantenía estrechos vínculos con la escena artística europea y pasó mucho tiempo en París. Fue especialmente activo con el Surrealismo y el Dadá. El Surrealismo utilizaba el subconsciente como fuente de inspiración, haciendo que sus obras de arte parecieran oníricas. El dadaísmo realizó experimentos utilizando tanto las artes visuales como el lenguaje.

Man Ray colaboró con el artista Dadá francés Marcel Duchamp (1887-1968) y creó ready-mades a partir de objetos existentes. Man Ray también experimentó con la fotografía haciendo rayografías sin cámara exponiendo objetos sobre papel fotográfico. Al mismo tiempo, Man Ray exploró formas más convencionales de fotografía en el ámbito de la moda y la cultura de los famosos, y publicó en Vogue.

Fig. 4 - Noire et Blanche del fotógrafo Man Ray en 1926, publicada originalmente en ^Vogue2

Alfred Stieglitz (1864-1946) fue un fotógrafo modernista estadounidense esencial, editor, comisario de arte y marido y promotor de la pintora Georgia O'Keeffe. En las dos primeras décadas del siglo XX, Stieglitz publicó una revista pionera de fotografía, Camera Work, que dio forma a la aceptación de la fotografía como forma de arte. También fundó la Galería 291 en Nueva York, donde expuso a varios artistas modernistas estadounidenses y europeos, como Pablo Picasso, Max Weber y Henri Matisse (1869-1954).

Modernismo estadounidense: Arquitectura

En arquitectura, el estilo Art Déco expresaba los ideales modernistas. En las dos décadas entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial, los arquitectos estadounidenses construyeron los edificios más altos del mundo. Estos rascacielos llegaron a encarnar el estilo de vida urbano y la estética industrial. Los edificios Art Decó utilizaban materiales modernos, como acero, hierro, hormigón armado y formas geométricas fuertes. Al igual que el arte modernista, el Art Decó llegó a América desde Europa y se convirtió en un estilo internacional.

Hay docenas de famosos edificios Art Decó por todo Estados Unidos, especialmente en la ciudad de Nueva York. Los ejemplos más emblemáticos son el Empire State Building, el Rockefeller Center y el Chrysler Building. Entre su construcción en 1931 y 1970, el Empire State Building fue el rascacielos más alto del mundo. Con el tiempo, muchos de estos edificios se convirtieron en hitos históricos.

Fig. 5 - Feria Mundial de Chicago, cartel "Un siglo de progreso" con rascacielos Art Decó (1933)

El Art Decó estadounidense desarrolló diversas variantes estilísticas, como el Greco Decó, el Streamline y el PWA Moderne. El Greco Decó se utilizó principalmente en la arquitectura gubernamental. Streamline era un sombrío recuerdo de la Gran Depresión (1929-1939). Por último, PWA Moderne se refería a las construcciones de la Administración de Obras Públicas emprendidas como parte de las iniciativas del Nuevo Trato para recuperarse de las dificultades económicas, como la presa Hoover.

Más allá del Art Déco, varios arquitectos estadounidenses trabajaron en sus propios estilos inspirados en el Modernismo. Por ejemplo, Frank Lloyd Wright(1867-1959) se centró en la arquitectura orgánica, que se mezclaba armoniosamente con su entorno. Fue prolífico; Lloyd Wright diseñó más de 1.000 edificios. Louis Henry Sullivan (1856-1924) dio prioridad a la funcionalidad del diseño arquitectónico e incorporó materiales modernos. Sullivan fue mentor de Wright.

Modernismo estadounidense: Literatura

El Modernismo fue un movimiento destacado en la literatura estadounidense entre la Primera y la Segunda Guerras Mundiales. Las figuras literarias modernistas exploraron nuevos temas, nuevas formas literarias y nuevas perspectivas.

Algunos escritores se centraron en situar su obra en Estados Unidos centrándose en la experiencia estadounidense. Entre ellos se encontraban Marianne Moore (1887-1972), William Carlos Williams (1883-1963) y Wallace Stevens (1879-1955). Otros, como Gertrude Stein (1874-1946), Ezra Pound (1885-1972) y T.S. Eliot (1888-1965), se trasladaron a Europa. En este sentido, la polinización transcultural entre Europa y Estados Unidos imitó el campo de las artes visuales.

Fig. 6 - Retrato de Gertrude Stein por Pablo Picasso (1906)

Por ejemplo, la novelista estadounidense Gertrude Stein se trasladó a París a principios del siglo XX. Allí conoció a muchas mentes creativas importantes, como el artista Pablo Picasso, que pintó su retrato. Al igual que los artistas modernistas con los que Stein se relacionó, se dedicó a la experimentación literaria. En lugar de utilizar las formas literarias lineales del siglo XIX, optó por una literatura basada en procesos. Escribió poesía y ficción, a veces sin argumento. Entre sus obras destacan Tres Vidas y La Autobiografía de Alice B. Toklas.

Modernismo estadounidense: Aftermath

La Gran Depresión de los años treinta puso fin al optimismo de los locos años veinte. Sin embargo, las sensibilidades modernistas sobrevivieron y cambiaron en distintos campos creativos. El Museo de Arte Moderno de Nueva York siguió exponiendo a artistas modernistas clave tanto de Europa como de Estados Unidos. Por ejemplo, su exposición de 1936-1937 presentó importantes movimientos artísticos, el dadaísmo y el surrealismo.