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El drama europeo: Una definición
El drama europeo se refiere generalmente al drama escrito y producido en Europa. Incluye varios estilos, temas y periodos de tiempo, comenzando en la antigua Grecia alrededor del año 600 a.C. y continuando hasta nuestros días.
Historia del teatro europeo
La historia del teatro europeo abarca más de 2.500 años, desde el siglo V a.C. en la antigua Grecia. Al final del artículo encontrarás ejemplos destacados de autores y obras.
La antigua Grecia y el Imperio Romano
La tradición teatral occidental comenzó en la antigua Grecia en algún momento del siglo V a.C.. De hecho, las palabras "drama" y "teatro" proceden de raíces griegas.
Fig. 1: Grecia fue la cuna del teatro europeo.El teatro era una parte importante de muchos aspectos de la vida en la antigua cultura griega, sobre todo en Atenas. Aquí se establecieron los géneros dramáticos clave de la comedia y la tragedia, y algunos de los primeros dramaturgos conocidos, como Esquilo (525-456 a.C.), Sófocles (495-406 a.C.) y Eurípides (480-406 a.C.), empezaron a escribir obras.
La antigua Grecia también produjo los primeros textos teóricos sobre teatro que se conservan, sobre todo la muy estudiada Poética de Aristóteles (384-322 a.C.) (335 a.C.).
El teatro era también una parte importante de la vida y la cultura de la antigua Roma. Cuando el Imperio Romano se expandió en el siglo III a.C., entró en contacto con el teatro griego. A partir de ahí, el teatro se extendió por Europa y llegó a Inglaterra.
Aunque no escasean las muertes en el drama griego antiguo, los personajes rara vez mueren en escena. Más bien, la muerte ocurre fuera de la vista del público y es explicada por un mensajero o mediante otro diálogo. Una notable excepción ocurre en Áyax, tragedia escrita en el siglo V a.C. por Sófocles. En la obra, el personaje del título se suicida cayendo sobre su espada, aparentemente a la vista del público. Sin embargo, los eruditos debaten mucho sobre cómo se escenificó realmente la escena.
Por otra parte, los romanos eran conocidos por sus espectáculos sangrientos, e incluso escenificaban las ejecuciones como elaborados actos teatrales.
El teatro medieval
En los primeros siglos de la Era Común, el Imperio Romano de Occidente cayó en desgracia y se levantó el Imperio Bizantino, con sede en Constantinopla. En esta época, el teatro consistía principalmente en bandas itinerantes de artistas, como bufones, acróbatas, cuentacuentos y otros. Sin embargo, no había muchas producciones escenificadas, y la Iglesia no veía con buenos ojos a estos artistas nómadas.
A principios de la Edad Media, la Iglesia empezó a controlar gran parte de la actividad teatral de la época. Se hicieron populares las obras litúrgicas y los servicios religiosos que incluían dramatizaciones de historias bíblicas.
En el siglo XII, el teatro había empezado a extenderse fuera de la Iglesia, y algunas obras se tradujeron a la lengua vernácula y fueron representadas por el pueblo llano. De especial importancia fueron los ciclos de las llamadas obras de Misterio. Estos ciclos consistían a veces en docenas de obras, todavía bíblicas en su naturaleza e inspiración, pero con más valor de entretenimiento, incluyendo comedia y villanos dentro de sus historias.
Otra forma teatral esencial en la Edad Media eran las obras de moralidad. En las obras de moralidad, el protagonista suele representar a la humanidad en su conjunto e interactúa con vicios y virtudes personificados para impartir lecciones morales.
La más conocida de estas obras morales, llamada Everyman, data del siglo XVI. El personaje del título, Everyman, que representa a toda la humanidad, se encuentra con la Muerte el día de su juicio y aprende que un amigo puede acompañarle al más allá. A lo largo de la obra, Everyman se encuentra con una serie de personajes, entre los que se encuentran la Comunidad, la Amistad, los Bienes y la Belleza, y les pide que le acompañen. Sin embargo, sólo las Buenas Acciones aceptan acompañar a Everyman en su viaje final.
La Commedia dell'arte italiana y el Renacimiento
El final de la Edad Media y los albores del Renacimiento introdujeron cambios significativos en la dramaturgia europea. Comenzando en Italia en el siglo XIV y extendiéndose lentamente por toda Europa, el Renacimiento se caracterizó por un creciente interés por la literatura y la filosofía de la antigüedad, incluido el drama de la antigua Grecia. El debilitamiento de la Iglesia Católica, incluida la Reforma protestante y las consiguientes medidas de Contrarreforma, dieron lugar a nuevas restricciones sobre el drama y el arte religiosos, ya que la Iglesia intentó mantener un mensaje unificado. En consecuencia, el teatro se hizo más secular.
Un desarrollo importante fue la Commedia dell'arte en Italia. Las compañías de la Commedia dell' arte viajaron por Europa improvisando espectáculos populares durante cientos de años e incluyeron a algunas de las primeras actrices profesionales del teatro europeo.
La Commedia dell'arte era un tipo de teatro profesional que se originó en Italia y ganó popularidad en toda Europa entre los siglos XVI y XVIII. Esta forma de teatro se basaba en personajes comunes inmediatamente reconocibles por máscaras específicas y argumentos sueltos que los actores profesionales improvisaban después.
Fig. 2: La Commedia dell 'arte utilizaba máscaras fácilmente reconocibles.Durante el Renacimiento, el drama también cobró importancia en España y Francia, y el aprecio de la reina Isabel I por el teatro impulsó una proliferación de la actividad dramática en la Inglaterra isabelina.
Sin embargo, Gran Bretaña también luchó contra la oposición puritana a las representaciones teatrales. En 1642, la Iglesia puritana prohibió toda actividad dramática en Londres. Esta prohibición duró dieciocho años, hasta la Restauración. Cuando comenzó el periodo de la Restauración en 1660, las comedias picantes, conocidas ahora como comedias de la Restauración, crecieron en popularidad.
El tiempo transcurrido en Inglaterra entre la ejecución del rey Carlos I en 1649 y la coronación de Carlos II en 1660 se conoce como el Interregno. Carlos I fue decapitado tras años de guerra civil entre sus seguidores, conocidos como monárquicos, y los parlamentarios dirigidos por Oliver Cromwell, que querían acabar con el gobierno de Inglaterra mediante una monarquía absoluta.
Muchos miembros del Parlamento eran también puritanos, por lo que los valores puritanos empezaron a extenderse por Inglaterra durante el Interregno. La actividad teatral, en particular, fue considerada inmoral y prohibida en Londres por la Iglesia puritana.
Romanticismo y realismo
En el siglo XIX, el teatro se disfrutaba en toda Europa. A principios de siglo, el Romanticismo y el melodrama se convirtieron en las formas teatrales más populares.
El Rom anticismo era un movimiento literario que hacía hincapié en las emociones fuertes, la idealización de la naturaleza y temas universales como el amor y la pérdida.
El melodrama es un tipo de teatro que utiliza tramas exageradas y sensacionalistas para entretener y crear una fuerte reacción en el público.
Estos tipos de teatro solían basarse en elaborados efectos escénicos para impresionar al público y atraer a las distintas clases de las crecientes poblaciones urbanas.
A mediados del siglo XIX, el Realismo floreció, empezando en Rusia y extendiéndose por toda Europa. Los dramaturgos realistas rechazaron las convenciones teatrales del pasado en favor de escenarios y vestuarios realistas y del uso del lenguaje cotidiano.
El Realismo fue un movimiento literario en el que los escritores representaban personajes y situaciones realistas y utilizaban con frecuencia el lenguaje cotidiano.
Esto supuso un cambio significativo respecto al teatro del pasado, y el trabajo de dramaturgos como el noruego Henrik Ibsen (1828-1906), el sueco August Strindberg (1849-1912) y el ruso Antón Chéjov (1860-1904) marcó un enorme punto de inflexión en la dramaturgia europea. Sus obras eran profundamente psicológicas y exploraban diversos temas hasta entonces inéditos en el escenario.
Los dramaturgos europeos del siglo XIX y su exploración del drama realista y naturalista inspirarían a la primera generación de grandes dramaturgos estadounidenses.
La Era Moderna
Al entrar en el siglo XX y en la modernidad, la dramaturgia europea siguió estando muy influida por los movimientos literarios del Realismo y el Naturalismo. Sin embargo, con la llegada del Modernismo, las producciones teatrales se volvieron gradualmente más experimentales y empezaron a dividirse en varios submovimientos. Entre ellos estaban el Simbolismo, con dramaturgos como Maurice Maeterlinck (1862-1949), y el Expresionismo, popularizado por el sueco August Strindberg (1849-1912).
El Simbolismo fue un movimiento literario dramático europeo que comenzó en Francia a finales del siglo XIX. El movimiento simbolista produjo obras teatrales muy estilizadas y no realistas, en rebelión contra los escenarios realistas del Realismo y el Naturalismo.
El Expresionismo fue un movimiento literario del teatro europeo que se desarrolló en Alemania a principios del siglo XX. Al igual que el Simbolismo, las obras de teatro expresionistas eran a menudo poco realistas, y utilizaban elementos exagerados de ambientación y puesta en escena para visualizar las experiencias interiores de los personajes.
La primera mitad del siglo XX fue una época de grandes cambios sociales y económicos en Europa y en todo el mundo. La Primera Guerra Mundial, en particular, tuvo un impacto significativo en la cultura y la literatura europeas. El Modernismo, el movimiento literario asociado a principios del siglo XX, adoptó a menudo un giro decididamente pesimista cuando los escritores se enfrentaron a los horrores de la guerra y a las realidades de la creciente industrialización.
Los movimientos literarios de la dramaturgia europea reflejaron el impulso modernista hacia la experimentación y exploraron temas controvertidos hasta entonces inéditos en la dramaturgia. Las nuevas teorías dramáticas, como la concepción del Teatro Épico de Bertolt Brecht (1898-1956), dejaron de existir únicamente para entretener al público y empezaron a desafiar a los espectadores con temas complejos y agudos comentarios sociales.
El final de la Segunda Guerra Mundial en 1945 marcó el comienzo del periodo literario contemporáneo. El teatro siguió funcionando principalmente como forma de análisis y crítica social, al tiempo que se volvía más experimental y empleaba nuevas técnicas dramáticas.
En Francia, Antonin Artaud (1896-1948) se convirtió en una figura importante del movimiento del Teatro de la Crueldad. Esta forma teatral pretendía conmocionar y estresar al público con una avalancha de movimiento, luz y sonido. La obra y las teorías de Artaud influyeron en otros dramaturgos europeos, como el alemán Peter Weiss (1916-1982) y su obra La investigación (1965), que examinaba las secuelas del Holocausto.
Otro movimiento clave de la dramaturgia europea posterior a la II Guerra Mundial fue el Teatro del Absurdo, término acuñado por Martin Esslin (1918-2002) en 1961. El Teatro del Absurdo trataba temas del existencialismo y expresaba la creencia de que la vida era esencialmente absurda y sin sentido mediante un lenguaje disparatado y argumentos no lineales. Este movimiento fue ejemplificado por las obras del irlandés Samuel Beckett (1906-1989), en particular su clásico moderno Esperando a Godot (1953).
Al entrar en el siglo XXI, el teatro europeo ha seguido diversificándose y abrazando la experimentación. El mundo del teatro se ha vuelto más globalizado e internacional, lo que ha dado lugar a una mayor variedad de voces y experiencias, al tiempo que ha continuado la tendencia del teatro como comentario social. La evolución de la tecnología también ha influido en el teatro contemporáneo, y muchos dramaturgos aprovechan los avances del vídeo y el audio para alterar la experiencia de la representación.
Características del teatro europeo
El drama europeo es un conjunto diverso de obras que abarca muchos siglos, países y culturas. Por tanto, el drama europeo en su conjunto comparte muy pocas características comunes, aparte de haber sido escrito y producido en Europa. Sin embargo, resulta fascinante que las clasificaciones de comedia y tragedia hayan persistido desde la época del antiguo drama griego. Muchas de las características establecidas para definir estos géneros durante el siglo IV a.C. siguen siendo útiles para analizar el drama en la actualidad.
Características de las comedias
El objetivo principal del drama cómico es divertir. Según el filósofo griego Aristóteles, la comedia representa la naturaleza social de la humanidad y permite al público examinar y mejorar la sociedad. Algunas formas específicas de comedia, como la sátira y la parodia, pueden burlarse de la sociedad de forma más explícita, pero la intención es inherente a todas las formas del género.
Por lo general, la comedia trata de historias de gente corriente y situaciones de poca monta. Algunos elementos pueden exagerarse para conseguir un efecto cómico, y también son típicos la tontería o el absurdo. Los frecuentes malentendidos, como disfraces e identidades equivocadas, y los chistes y otras formas de juego de palabras desempeñan un papel esencial.
Características de las tragedias
Las tragedias ocupaban un lugar vital en la antigua cultura griega porque creaban un sentimiento de catarsis en el público, ayudando a purgar las emociones negativas del miedo y la piedad. Por ello, solían considerarse una forma de arte superior y se discutían con mayor detenimiento. El elemento más esencial de la tragedia, desde la antigua Grecia hasta nuestros días, es la presencia de un héroe trágico. Este héroe tiene un defecto trágico, o hamartia, del que no puede escapar y que, en última instancia, causa su ruina.
El defectotrágico, o hamartia, es lo que provoca la caída del héroe trágico. No debe entenderse necesariamente como un defecto en el carácter del héroe. En realidad, puede ser un accidente, una mala decisión, un error o una mala acción.
La trama de la tragedia sigue la caída del héroe trágico, que a menudo está destinado al desastre desde el principio de la obra. El tema es serio, y las tragedias clásicas suelen centrarse en las clases altas y la nobleza. Hay mucho sufrimiento, ya sea físico, mental o emocional, y el final a menudo, aunque no siempre, contiene la muerte de uno o más personajes.
Tragedia y heroísmo en el drama europeo moderno
Los conceptos de tragedia y heroísmo siguen siendo relevantes en el drama europeo moderno. El mayor cambio de la tragedia al pasar a la era moderna fue el cambio de protagonista. Antes, los héroes trágicos solían ser nobles o miembros de las clases altas. Sin embargo, a finales del siglo XIX y principios del XX, dramaturgos como Henrik Ibsen empezaron a explorar la tragedia del hombre común.
A medida que el teatro se hizo más experimental, géneros como la tragedia y la comedia se volvieron menos definidos, y muchas obras del drama europeo moderno combinaron elementos de comedia y tragedia para crear obras más complejas.
Ejemplos de drama europeo en la literatura
Hay ejemplos importantes de drama europeo en cada periodo literario clave.
El drama de la antigua Grecia
El drama griego antiguo suele dividirse entre comedia y tragedia. Muchas obras del drama griego clásico se siguen leyendo y representando en la actualidad.
Algunas obras clave de la comedia griega clásica son
- Lisístrata (c. 411 a.C.) de Aristófanes (444-386 a.C.)
- Las ranas (405 a.C.) de Aristófanes
Algunas obras clave de la tragedia griega clásica son:
El teatro de la Edad Media
Las principales formas de teatro de la Edad Media eran las obras litúrgicas, las de misterio y las morales.
- Las obras litúrgicas narraban historias bíblicas y se representaban en latín. Una figura fascinante de este periodo fue Hrosvitha (c. 935 - 973), una mujer alemana considerada la primera mujer dramaturga conocida. Hrosvitha escribió una serie de dramas cortos durante su vida que fueron redescubiertos y publicados en 1501.
- Al igual que las obras litúrgicas, las obras de misterio medievales contenían generalmente temas bíblicos, pero se representaban en lengua vernácula, no en latín. Las obras de misterio solían representarse en ciclos, a veces formados por docenas de obras. Las más conocidas son las Obras de Misterio de York, un ciclo de cuarenta y ocho obras que data del siglo XIV.
- La obra moral medieval más conocida, y quizá la obra dramática más conocida de la Edad Media, es Everyman (1510). Como la mayoría de las obras morales, Everyman utiliza personajes alegóricos para explorar la condición humana y la idea de la salvación.
El teatro renacentista e isabelino
Los periodos renacentista e isabelino produjeron algunas de las obras dramáticas europeas más perdurables. Una breve selección incluye:
- Mucho ruido y pocas nueces (1598-09) de William Shakespeare (Inglaterra; 1564-1616)
- Romeo y Julieta (1597) de William Shakespeare
- El judío de Malta (1589-90) de Charles Marlowe (Inglaterra; 1564-1593)
- Volpone (1605) de Ben Jonson (Inglaterra; 1572-1637)
- El cerco de Numancia(1582) de Miguel de Cervantes (España; 1547-1616)
- Locura en Valencia(Los Locos de Valencia; 1590-1595) de Lope Félix de Vega (España; 1562-1613)
- Tartufoo el impostor (Tartuffe ou L'Imposteur; 1664) de Molière (Francia; 1622-1673)
- Phèdre (1677) de Jean Racine (Francia; 1639-1699)
El teatro europeo del siglo XIX
La primera parte del siglo XIX estuvo dominada por el melodrama y el Romanticismo, mientras que el Realismo y el Naturalismo empezaron a ganar popularidad a finales de siglo. Algunas obras clave de este periodo son
- Fausto (1829) de Johann Wolfgang von Goethe (Alemania; 1749-1832)
- Hernani (1830) de Victor Hugo (Francia; 1802-1885)
- Prometeo desencadenado (1820) de Percy Bysshe Shelley (Inglaterra; 1792-1822)
- Los dos Foscari: una tragedia histórica (1821) de Lord Byron (Inglaterra; 1788-1824)
- El poder de las tinieblas (1886) de León Tolstoi (Rusia; 1828-1910)
- Casa de muñecas (1879) de Henrik Ibsen (Noruega; 1828-1906)
- La importancia de llamarse Ernesto, comedia trivial para gente seria (1895) de Oscar Wilde (Irlanda; 1854-1900)
Teatro europeo del siglo XX
En el siglo XX, los dramaturgos europeos abrazaron plenamente el Realismo y el Naturalismo antes de empezar a explorar movimientos literarios más experimentales. Algunas obras dramáticas clave de este periodo son
- El Huerto de los Cerezos (1903) de Antón Chéjov (Rusia; 1860-1904)
- La Sonata Fantasma (1907) de August Strindberg (Suecia; 1849-1912)
- Pigmalión (1913) de George Bernard Shaw (Irlanda; 1856-1950)
- Bodas de sangre (1932) de Federico García Lorca (España; 1898-1936)
- Esperando a Godot (1953) de Samuel Beckett (Irlanda; 1906-1989)
- La Hamletmachine (1977) de Heiner Müller (Alemania; 1929-1995)
Teatro europeo contemporáneo
La dramaturgia europea contemporánea incluye un variado abanico de voces y temas:
- Fireface (1997) de Marius von Mayenburg (Alemania; desde 1972)
- Peanuts (2000) de Fausto Paravidino (Italia; desde 1976)
- born bad (2003) de debbie tucker green (Inglaterra; desde 1989)
- ¡Invasión! (2006) de Jonas Hassen Khemiri (Suecia; desde 1978)
- Lapena es la cosa con plumas (2018) de Edna Walsh (Irlanda; desde 1967)
Drama europeo - Puntos clave
- El drama europeo se refiere a las obras de literatura dramática escritas y producidas en Europa por dramaturgos europeos.
- El teatro europeo comenzó en la antigua Grecia en algún momento del siglo V a.C.
- A lo largo de la historia europea, el teatro adoptó formas muy diversas.
- Los géneros dramáticos de la comedia y la tragedia y sus características definitorias se establecieron en la época del teatro griego clásico y siguen siendo relevantes hoy en día.
- Algunas figuras clave del teatro europeo son Sófocles, William Shakespeare, Molière, Johann Wolfgang von Goethe y Samuel Beckett.
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